Arrancamos este miércoles en el Cine Estudio un ciclo panorámico dedicado al cine taiwanés contemporáneo. Organizado con la colaboración de la Oficina Económica y Cultural de Taipei, y con el patrocinio del Ministerio de Cultura de la República de China, el ciclo consistirá en una sesión mensual (con entrada gratuita hasta completar aforo) en el que se presentarán las mejores cintas taiwanesas de los últimos años, todas ellas inéditas en nuestro país. Las películas seleccionadas intentarán dar una imagen global de la sociedad taiwanesa actual, haciendo especial hincapié en el pujante cine documental del país. Las sesiones arrancan el miércoles 29 de octubre con la proyección de Spring: The Story of Hsu Chin-Yu, una cinta que recoge la historia de una mujer nacida durante la ocupación japonesa del país que, tras ingresar en el partido comunista chino, terminaría siendo capturada y recluida como prisionera en un campo de concentración durante la era del Terror blanco de la década de los 50. Una historia fundamental para una época muy poco conocida en Europa con la que iniciamos este repaso cinematográfico de la historia y sociedad taiwanesas actuales.
Arranca esta tarde en el Cine Estudio el ciclo Billy Wilder: Canon que recoge las diez (once, que tiene truco) películas fundamentales del que es, con permiso de Alfred Hitchcock, el más popular y celebrado realizador europeo emigrado a Estados Unidos.
Todo parecía indicar que la última edición del Festival de Sitges se saldaría con gran premio para la última película de Jim Jarmusch, Only Lovers Left Alive, favorita de antemano por su calidad y sobre todo por el enorme prestigio de su realizador. Sin embargo, cuando el presidente del jurado desveló el palmarés la sorpresa fue mayúscula: el premio a la mejor película recaía en Borgman, una cinta que se ha erigido en una de las grandes sorpresas de la temporada. El filme, coproducido entre varios países noreuropeos, es una cinta a medio camino entre el terror, el suspense, la alegoría, el humor negro y el costumbrismo que se centra en la historia de un indigente que, gracias a la complicidad de una mujer, se instala en una casa altoburguesa y trastoca para siempre con su presencia la vida de los miembros de la familia. Una planteamiento que se entronca en varias películas anteriores que pensamos era interesante revisar de manera conjunta para comprobar de manera unitaria todas sus ramificaciones.
Arranca mañana en al Cine Estudio una de las citas más esperadas por nuestros espectadores: la Muestra de Cortometrajes de la Comunidad de Madrid, que llega este año a su edición número 16. En ella se estrenan todas las películas de formato corto que han sido realizadas con el apoyo de la CAM a lo largo de 2013, lo que supone una excelente oportunidad para disfrutar del trabajo de los nuevos realizadores madrileños, al mismo tiempo que da posibilidad de ver los mejores cortometrajes europeos, acceder a sesiones que agrupan lo más significativo de los mejores festivales internacionales dedicados al cine de breve duración, presenciar master classes impartidas por realizadores y asistir a sesiones homenaje a diversos cineastas. El acceso a todas las sesiones es gratuito, pero os recordamos que es imprescindible retirar la correspondiente entrada en la taquilla para poder entrar a la sala. Las entradas para cada sesión están disponibles en taquilla media hora antes de comenzar la misma, y cada espectador puede retirar un máximo de dos entradas por sesión. ¡Os esperamos a todos en el Cine Estudio.
Consulta aquí el calendario completo de proyecciones.
Arranca hoy en el Cine Estudio un amplio ciclo que bajo el título ‘Más allá de la ciencia-ficción’ revisa un largo listado de películas que han empleado el género como marco desde el que superar sus intenciones y perspectivas tradicionales. Pese a ser uno de los géneros menos considerados entre críticos y especialistas, la ciencia-ficción ha ejercido tradicionalmente de terreno libre en el que los argumentos suponen muchas veces meras excusas para tratar temas que escapan a sus ajustados parámetros. La religión, la política, la parábola política, el análisis de la historia, los avances científicos, el desarrollo de los derechos humanos y de la propia humanidad, la contracultura o la atopía han encontrado su desarrollo más ajustado en una serie de cintas de ciencia-ficción que son revisadas en este ciclo. El ciclo ‘Más allá de la ciencia-ficción’ cubre un largo listado de películas provenientes de diferentes épocas y cinematografías, intentando reflejar la variedad de culturas y planteamientos que han empleado el género a lo largo en esta dirección.
Todo parecía estar marcado de antemano en la vida de Tod Browning. Nacido en 1880 en el seno de una familia de la alta burguesía de Louisville y sobrino de una estrella de la liga de béisbol, Browning acudió a un buen colegio privado esperando el momento de dar el salto a la Universidad y convertirse en un miembro respetable de la alta burguesía de Kentucky. Hasta que en plena adolescencia se enamora de una bailarina de una troupe circense de paso por su ciudad a la que el joven Browning decide seguir abandonando su vida acomodada. Así sería hasta que en 1916 conoció en un teatro de variedades a D.W. Griffith, que le ofrece un papel como actor en su monumental Intolerancia.
Tod Browning con el reparto de Freaks (1932)
Picado por el veneno del cine, la vida de Browning no tendrá ya vuelta atrás. Asentado en Los Ángeles, comienza a trabajar como actor, guionista y director, arrancando una carrera completamente excepcional en un Hollywood en el que llevó a la pantalla un cine que no tenía antecedentes ni encontraría ecos posteriores. Fascinado por lo grotesco y lo esperpéntico, pero sin dejar que estos elementos alteraran unas películas perfectamente construidas y con una puesta en escena tremendamente elaborada -que funciona en paralelo con el expresionismo que se desarrollaba al mismo tiempo en Europa-, Browning desarrolla una carrera inclasificable de la que el Cine Estudio rescata las que son posiblemente sus ocho películas fundamentales.
Arranca mañana en el Cine Estudio un ciclo dedicado a uno de los grandes maestros de la comedia, Ernst Lubitsch. La retrospectiva, realizada con la inestimable colaboración de Centro Sefarad-Israel, revisa las mejores películas de la última etapa del realizador.
Nacido en el Berlín de finales del XIX de una familia judía askenazí, Lubitsch comenzó a trabajar en su juventud en el teatro y el cine, centrando su carrera con el paso del tiempo en la escritura y la dirección. Su temprano éxito lo convierte en uno de los realizadores más famosos del momento y no tarda en ser reclamado por Hollywood, donde desarrollaría una filmografía que llegará a su plenitud con la llegada del cine sonoro: el uso de la palabra hablada le permitirá desarrollar con plenitud unos guiones perfectamente estructurados que caracterizan ese “toque Lubitsch” que marcaría a fuego el cine mundial y que a su muerte tendría continuidad gracias a una larga lista de alumnos, entre los que destaca otro joven centroeuropeo emigrado a Estados Unidos: Billy Wilder.
Como sucede con tanta frecuencia, el paso de los años ha hecho que la memoria sobre el Neorrealismo se arquitecte en torno a una larga lista de parámetros que no son en realidad sino lugares comunes. Rodajes improvisados, tremendas dificultades económicas, actores no profesionales, secuencias completas filmadas en las calles, historias humanas que reflejan la miseria moral provocada por los años del fascismo y la contienda mundial…
Sin embargo, la realidad distó mucho de ser ésa. Estrictamente, no hubo más de un par de películas que cumplieran y sólo aproximadamente con estas normas: La terra tremade Luchino Visconti, Ladrón de bicicletas de Vittorio De Sica, Bajo el sol de Roma de Renato Castellani… y aquí termina el listado. Ni las obras consideradas hoy clásicas del Neorrealismo pueden verse bajo este prisma. Todo lo contrario: el monumental éxito en taquilla, tanto en Italia como en el extranjero, de Ladrón de bicicletas (la indiferencia del público ante estas películas es otra mitificación creada con el paso del tiempo y muy potenciada por sus creadores) permitió que el Neorrealismo se convirtiera en un “canon visual” aceptado y buscado por los espectadores que se convertiría en una marca de fábrica icónica bajo la que poder desarrollar una vez más los géneros más demandados y queridos por el público: el melodrama, la comedia, la aventura, la cinta política, el cine negro o el erotismo encuentran una nueva vestimenta con la que volver a presentarse a un público que busca un cine alejado, pero no demasiado, de los parámetros que habían conocido en años anteriores. Todo ello, eso sí, con una apariencia miserabilista que daba a la mayoría de ellas marca de fábrica, respeto crítico automático y amplia distribución en el extranjero. Y no por ello, ni mucho menos, cintas menores: este magma de películas comienzan a confirmar la auténtica edad de oro del cine italiano, una época dorada que se extenderá hasta mediados de los años 70 y que dejó un largo listado de películas completamente admirables entre las que se encuentra la decena elegida para conformar el ciclo Neorrealismo / derivaciones que arranca esta semana en el Cine Estudio.
Arrancó la semana pasada en el Cine Estudio un nuevo ciclo, Ópera prima, que incluye nombres de realizadores tan sugerentes como Martin Scorsese, Roman Polanski o Michelangelo Antonioni. La muestra profundiza en la búsqueda de los primeros largometrajes de grandes cineastas del panorama europeo y norteamericano para localizar en ellos los rasgos de autoría que los realizadores seleccionados desarrollarían posteriormente a lo largo de su filmografía.
El ciclo incluye tres cintas de grandes realizadores del cine europeo, Mario Monicelli, Michelangelo Antonioni y Roman Polanski. Totó busca piso, una de las mejores películas del cómico napolitano Totò, es la primera cinta de Mario Monicelli, en la que establece relación con tres figuras claves para su carrera: el director Steno, con quien dirigiría sus primera cintas, y los guionistas Age y Scarpelli, con los que colaboraría durante el resto de su carrera. Crónica de un amores el debut en la realización del cineasta Michelangelo Antonioni, un gran ejemplo del cine reflexivo con la belleza sin igual del arte visual del director italiano. El cuchillo en el agua, que marca el inicio de la carrera de Roman Polanski, supone una muestra de la pujanza del nuevo cine polaco y muestra ya la notable influencia que tendrían Rossellini y Hitchcock en la carrera del realizador. El cine norteamericano está representado en el ciclo con cuatro películas de otros tantos realizadores. La noche del cazador es la primera (y única) película dirigida por el actor Charles Laughton, que da a Robert Mitchum uno de sus más memorables personajes en una cinta que contó con una pésima acogida en su estreno pero que con el paso de los años se asentaría como una de las más grandes películas del cine americano. ¿Quién llama a mi puerta? es el debut en la realización de Martin Scorsese, una película ambientada en la comunidad italioamericana que marca claramente todas las líneas que el director desarrollaría a lo largo de su carrera. Sangre fácil es el sorprendente nacimiento de unos de los cineastas más singulares de los Estado Unidos, los hermanos Coen, una cinta que se inserta en la mejor tradición del cine negro estadounidense convertida en clásico desde el mismo momento de su estreno. El terror es la primera película “fantasma” de Francis Ford Coppola: pese a ser él quien realizó el rodaje, sería el productor especializado en cine género de serie B Roger Corman quien concluyera el montaje final y firmara la película, una cinta marcada por su habitual tono gótico en una historia de terror interpretada por Jack Nicholson y Boris Karloff. La cinta más reciente del ciclo es Sexo, mentiras y cintas de video, primer largometraje de Steven Soderbergh que se adentra en una ambiciosa reflexión sobre la realidad y sus representaciones.
Ópera prima propone, por lo tanto, un viaje cinematográfico hacia películas de culto que muestran una factura tan sólida como muchas de las películas que posteriormente desarrollarían sus creadores. Un viaje por películas de referencia que esperemos disfrutéis tanto como nosotros.
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Arranca hoy en al Cine Estudio una de las citas más esperadas por nuestros espectadores: la Muestra de Cortometrajes de la Comunidad de Madrid, que llega este año a su edición número 15. En ella se estrenan todas las películas de formato corto que han sido realizadas con el apoyo de la CAM a lo largo de 2012, lo que supone una excelente oportunidad para disfrutar del trabajo de los nuevos realizadores madrileños, al mismo tiempo que da posibilidad de ver los mejores cortometrajes europeos, acceder a presentaciones de libros sobre el tema y asistir a diversas sesiones homenaje a diversos cineastas. El acceso a todas las sesiones es gratuito, pero os recordamos que es imprescindible retirar la correspondiente entrada en la taquilla para poder entrar a la sala. Las entradas para cada sesión están disponibles en taquilla media hora antes de comenzar la misma, y cada espectador puede retirar un máximo de dos entradas por sesión. ¡Os esperamos a todos en el Cine Estudio.
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Tod Browning con el reparto de Freaks (1932)
